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Claudio M Iglesias entrevista a Fernanda Laguna, presente en el stand (Solo Projects) de la galería Nora Fisch de Buenos Aires en ARCOmadrid 2014.

La idea de realidad es surrealista. Entrevista con Fernanda Laguna

El secreto mejor guardado del arte argentino viaja en el tiempo y aparece en la forma de poemas, novelas y cuadros con destinatario. En cinco preguntas, Fernanda Laguna repasa cinco momentos clave de su trabajo en los últimos años.

Fernanda Laguna

Fernanda Laguna

Claudio M Iglesias: Primero una descripción de los trabajos que presentas en Arco, las pinturas negras…. 

Fernanda Laguna: Son ocho pinturas en acrílico sobre tela con cortes de la serie Formas negras parecidas a algo. Cada obra es medio algo y medio otra cosa: medio zombie, medio azteca, medio abstracta. Luego hay poemas escritos por mí, impresos en hojas A4 enmarcadas. Algunos son largos y se continúan a través de diferentes marcos. Estos tratan de cosas muy cotidianas y personales. Y los cuadros “medio” tratan de lo formal del arte, del color. En la muestra hay un tercer nivel que son unos dibujos que retratan los momentos en los que hice las pinturas que están colgadas, donde se ven diferentes estados de ánimo de la persona que pintó las obras. Estos funcionan en la muestra como certificados de autenticidad de los cuadros ya que en ellos está registrado el momento en que la artista hizo los cuadros.

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Banks of images, archives, reproduction of codes and the multiple layers in a reality understood under a variety of possibilities. João Laia interviews the artist Diogo Evangelista. Evangelista presented work at Pedro Cera‘s booth at ARCOmadrid2014.

Bodily visions, double images and archetypes. Interview with Diogo Evangelista

Diogo Evangelista. Sunset, 2013

Diogo Evangelista. Sunset, 2013

João Laia: Throughout your practice you have been privileging the use of common, everyday images, sometimes almost visual clichés. Could you comment and explain your interest in this universe?

 Diogo Evangelista: I believe the most inexplicable mysteries to be found in the more ordinary and sometimes most obvious places. My objective is always to simplify. I start with what’s more easily accessible, magazines and especially the web: youtube, wikipedia and google among others.

In a way the travel is always interior. I am interested in examining where these neglected images can take us, in exploring what they hold inside and what they can trigger in us.

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Joao Laia writes about text on painting (or painting on text), following the work of Irma Blank. The relationship between book and canvas, between the structure of a single page and the gesture of the artist, between language and abstraction.

Paintings, the silent writings of Irma Blank drawings

I. Blank, Eigenschriften, p. 87, 1970

I. Blank, Eigenschriften, p. 87, 1970

Since the late 1960s Irma Blank has been exploring the continuities and ruptures between written and visual languages, focusing on the elemental potentialities of the sign, reimagined as a site of infinite discovery. Blank’s method is established around series of work where the artist explores a specific mode of analytical production. Using text as a main reference point, the artist recurrently employs and quotes the book as a means to organize and contextualize her gestures. In her two first major cycles, Eigenschriften and Trascrizioni, the book is alluded to either directly or via its primary element: the page, both series displaying homogeneous textual landscapes. More recent bodies of work such as Radical Writing and especially Avant-testo depart from this line, enhancing the abstract potential of her method and abandoning all direct representations of the sign.

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En diciembre de 2012, Oriol Vilanova presentó en el FRAC Champagne-Ardenne de Reims la obra de teatro Goodbye. Una performance en la que se imagina la destrucción del museo del Louvre. Se representó en un escenario vacío. Tan sólo un foco iluminaba la escena y una niña se movía de un lado al otro, improvisando. Una voz en off reflexionaba sobre este acto iconoclasta. Pero Goodbye también es una publicación que va más allá del simple registro de la performance para convertirse en un libro de artista.

Sobre la desaparición de un museo. Entrevista a Oriol Vilanova a raíz de la presentación de la publicación “Goodbye”

vilanovaRosa Lleó: La idea del vacío, y sobretodo en relación al espacio expositivo ya había aparecido en anteriores obras tuyas como Ellos no pueden morir (2011), donde tres personajes: Walt Disney, Lenin y Salvador Dalí reflexionaban sobre la inmortalidad. O en Mirador, donde el espacio expositivo, en este caso una capilla, albergaba solamente una barandilla de hierro que dividía la sala. En Goodbye asistimos a uno de los actos de iconoclastia más difíciles de imaginar. ¿Cómo se relaciona este hecho con otras piezas tuyas completamente diferentes, en las que precisamente se da un exceso de información iconográfica?

Oriol Vilanova: Me gusta trabajar con opuestos llevados al extremo. En mi trabajo existe una vertiente iconográfica y su lado opuesto, desde una colección perpetua de postales de arcos de triunfo, cuya densidad de imágenes es extrema, hasta la desaparición total de parte de nuestro imaginario en el caso de Goodbye. Además, existe otro vacío que es el de no saber de dónde ni quién ha generado el desastre que sería la destrucción de tal museo. También me interesa la idea de patrimonio, cómo entendemos una forma del pasado que coexiste en el presente y cómo la obsesión por conservar y archivar no ha parado de crecer exponencialmente desde la segunda guerra mundial. En realidad, la conservación del patrimonio nace después de la Revolución Francesa, después de una serie de actos iconoclastas que pretendían eliminar todo lo que hiciera referencia a la monarquía y a la iglesia. Y al cabo de poco se crean las normativas para conservar los bienes comunes y con ello el Louvre.

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Claudio M Iglesias escribe sobre la obra de Adriana Lara, una producción que relaciona con la crítica institucional y que sirve como punto de partida para analizar la profesionalización del contexto artístico.

Si Adriana Lara hubiera sido monja. (Facetas del arte como construcción social)

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Adriana Lara

La última pieza que vi de Adriana Lara consta de una mazo de cartas con las figuras tapadas por un tono cercano al zafiro. Es un trabajo muy simple y con una gracia circunstancial: una imagen que circuló reblogeada en Tumblr, con el nombre de Lara añadido como un detalle. Pero el tópico del juego de cartas nos lleva a algunas referencias cercanas y lejanas. Los juegos de Lara parecen tomar la sabiduría aprendida de algunos de los artistas que, en el último siglo, construyeron su trabajo sobre la relación entre el arte y el tejido institucional que lo hace accesible: el aparato de acceso al arte.

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Paloma Checa se acera a la idea de imagen digital de la mano de Hito Steyerl. ¿Cómo actua una imagen digital? ¿Qué distancia hay entre el poder de una imagen y una imagen de poder? Imagen, guardas en museos y performatividad. 

De vigilancia, mercenarios y performatividad

Hito Steyerl, Security Officer Ron Hicks, 2012

El pensamiento moderno enlazó el teatro con los placeres del cuerpo, poniendo uno como soporte de representación del otro y reforzando la creencia en el primero como un medio a través del que aprender valores morales. Representar un personaje colocaba a éste más cerca del espectador, y la empatía hacía el resto. Por el contrario, la estética kantiana asignó a la representación visual un lugar más cercano al pensamiento racional. A través de la vista se llegaba de manera más directa a aquello que la pintura quería comunicar; la vista, solo ella bastaba para participar de un arte más serio –en el peor sentido de la palabra-. Dos arquitecturas diferentes se pensaron para acoger a cada uno: el espacio de la galería –que del salón acabó siendo limpio, blanco, inerte-, y el del escenario –variable, donde tenía lugar el movimiento y el juego de las luces-. Como señala Dorothee Richter, a partir de la postguerra en Europa empiezan a darse prácticas artísticas y teatrales que ponen en cuestión los límites de los géneros. Éstas provocan el choque entre el escenario y la galería. La sala de exposiciones se ha ido consolidando, con los años, como un espacio para la escenificación de narrativas concretas, tal y como lo era antes en exclusiva el escenario de la sala de teatro.

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Textuality and emotion in art. from artwork to sensation to themarket: Laure Prouvost

João Laia composes a text around the work of Laure Prouvost, observing the emotional factor of some linguistic content and also the specificity of mood for art presentation spaces. 

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‘…THIS PAGE IS SUPER SLOW AND FRUSTRATING IT’S REALLY HAD TO TURN IT; THIS PAGE IS SO SLIMLY; THIS IS THE WRONG PAGE; THIS PAGE IS SO HEAVY.’ 1

You might be thinking that the quote with which I have decided to open this text would perhaps be more apt to a newspaper or magazine article. The virtuality of online media such as this blog based platform, could possibly reduce or at least interfere with the physical immediacy those lines aim at. The constant references to the material attributes of the object are provoking frustration by the fact it is nowhere to be found. Being very blunt: there are no paper pages for you to turn, feel or touch. There is simply a mouse/touch pad or something, where you scroll up and down and click. There is something for you to touch but it’s not which the phrases refer to. You cannot follow their meaning through. The image has no matter being rather built out of dots. You could and still can touch the screen or the keyboard though, but it wouldn’t be the same thing, would it?

Well try it then.

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