The biggest problem in art criticism today is the lack of actual criticism. Interview with Peter J Russo

Peter J. Russo is director of Triple Canopy. From 2009 until 2012 he organized Printed Matter’s NY Art Book Fair at MoMA PS1. Triple Canopy is a magazine based in New York that encompasses digital works of art and literature, public conversations, exhibitions, and books. This model hinges on the development of publishing systems that incorporate networked forms of production and circulation. Working closely with artists, writers, technologists, and designers, Triple Canopy produces projects that demand considered reading and viewing. Rosa Lleó interviews Peter J Russo.

Peter J Russo at «ARCO(e)ditorial presents: Models and methods. Art, writing, distribution».

Rosa Lleó: Triple Canopy is an online magazine that is not as well-known in Europe as it is in the USA, so perhaps you could you tell us, from your personal point of view, about its beginning, how and why it was created and what was its aspiration?

Peter J. Russo: Before becoming interested in contemporary art, I ran a record label called Livewire with some friends. We released recordings of our friends’ bands, published zines, and printed what now seems like thousands of t-shirts. That experience encouraged me to think critically about how culture circulates and is distributed to a broader audience, particularly work that is often considered obscure or difficult to understand. Around 2008, a group of friends began hosting meetings with the aim of founding a magazine. We weren’t sure if the magazine would be published online, as a PDF, or in print after all. Ultimately, it seemed that the Internet was the challenge at hand—to rethink our encounters with art and literature on the Web, which at that point felt fairly impoverished or relegated to a niche interest in exploiting the Internet’s glitches, in the case of Net Art. At the same time, we were thinking about the history of ”new media” publications—in particular Aspen, which had been reconfigured for presentation online by UbuWeb, a useful model for us.

Bodily visions, double images and archetypes. Interview with Diogo Evangelista

Banks of images, archives, reproduction of codes and the multiple layers in a reality understood under a variety of possibilities. João Laia interviews the artist Diogo Evangelista. Evangelista presented work at Pedro Cera‘s booth at ARCOmadrid2014.

Diogo Evangelista. Sunset, 2013

João Laia: Throughout your practice you have been privileging the use of common, everyday images, sometimes almost visual clichés. Could you comment and explain your interest in this universe?

 Diogo Evangelista: I believe the most inexplicable mysteries to be found in the more ordinary and sometimes most obvious places. My objective is always to simplify. I start with what’s more easily accessible, magazines and especially the web: youtube, wikipedia and google among others.

In a way the travel is always interior. I am interested in examining where these neglected images can take us, in exploring what they hold inside and what they can trigger in us.

Pick of the day: Anna Barham (Arcade)

Anna Barham, Double Screen (not quite tonight jellylike), 2013

Un trabajo brillante y de impecable factura presentado en el stand de Arcade. Anna Barham genera un recorrido lingüístico donde palabras e imágenes van componiendo posibilidades de escape narrativo, donde la poética de lo inseguro dialoga con lo estable de lo tecnológico. En un pensamiento vinculado a un mundo de inputs múltiples, Barham ofrece, mediante dos pantallas sincronizadas, un lenguaje y un modo de pensar que se va componiendo mediante retazos y flashes, mediante la suma de capas y la repetición de estructuras.

Crónicas en meandros, afluentes y recintos feriales. 4: Lo que no está

La narración como construcción biográfica, aquello que ha desaparecido, aquello que aparece de forma tangencial. Paloma Checa-Gismero en su recorrido en forma de crónica por el tiempo de una feria.

Teresa Solar Abboud, Las cosas que no están. 2013

Hay cosas dentro y hay cosas fuera. Hay cosas en venta y otras que no. Hay cosas sólidas y otras volátiles. Tenderetes que se montan y otros que, pese a todo, están.

Hay un vídeo de una mujer que se va. Se aleja del centro de referencia y toma la carretera para reconstruir la biografía de un extraño. Busca encontrarse en el trayecto, pero sólo se topa con verjas candadas y recintos hace tiempo clausurados. Maneja hacia el oeste, habla con la cámara y nada en piscinas. Acaba horadando el paisaje con su cuerpo, como una tuneladora escava los archivos en bruto de la cámara. El vídeo es al final su paisaje, las bruces contra las que su cuerpo se proyecta. Todas las cosas que no están (Teresa Solar, 2013) no está en la feria. Muestra cómo el entorno a veces se erige impenetrable pese a nuestra insistencia en encontrar la llave a su porosidad.

In English below

Paintings, the silent writings of Irma Blank drawings

Joao Laia writes about text on painting (or painting on text), following the work of Irma Blank. The relationship between book and canvas, between the structure of a single page and the gesture of the artist, between language and abstraction.

I. Blank, Eigenschriften, p. 87, 1970

Since the late 1960s Irma Blank has been exploring the continuities and ruptures between written and visual languages, focusing on the elemental potentialities of the sign, reimagined as a site of infinite discovery. Blank’s method is established around series of work where the artist explores a specific mode of analytical production. Using text as a main reference point, the artist recurrently employs and quotes the book as a means to organize and contextualize her gestures. In her two first major cycles, Eigenschriften and Trascrizioni, the book is alluded to either directly or via its primary element: the page, both series displaying homogeneous textual landscapes. More recent bodies of work such as Radical Writing and especially Avant-testo depart from this line, enhancing the abstract potential of her method and abandoning all direct representations of the sign.

Pick of the day: Esther Ferrer (àngels barcelona)

Esther Ferrer, Performance «Agua y Aire», Centre Georges Pompidou, 1985 // Serie «proyectos especiales»

Dos piezas de Esther Ferrer en el stand de àngels barcelona. Fotografías de una performance y una serie de trabajos que se acercan a una idea de plano arquitectónico. La documentación de la acción, arriba, activa la serie situada en la parte inferior, cargando de performatividad y gesto el espacio.

Crónicas en meandros, afluentes y recintos feriales. 3: Contrachapado

Recorridos, visitas, filtros, guías y planos. Cuerpos y movimiento buscando contenidos. Paloma Checa-Gismero recorre la feria siguiendo programas y fuera de ellos.

“Hace 12 años yo estaba aquí, no en esta habitación pero

en una muy parecida. Este pasaje me ha marcado

Me han tratado de artista y eso ha condicionado mi futuro

Tenía 27 años. Ya no soy la misma persona

Recorro las calles de esta ciudad y no recuerdo

casi nada. Apenas siento nada de nostalgia

In English below

Cultural intimacy in art at the national cultural institute – the case of the Romanian Cultural Institute of Stockholm

Giorgiana Zachia presents her practice on cultural intimacy writing about the specific work with contemporary art in the frame of a national cultural institute.

Stefan Constantinescu, Archive of Pain, video installation, 2000

In my text about cultural intimacy, I discussed the concept’s relevance for the work of national cultural institutes: the analytical separation between what a nation, a community or a couple displays externally and what they share internally; the intimate dimension of what makes people feel they belong together; the occurrence or risk of embarrassment and shame and the very dealing with things that may cause these feelings. These aspects are important parts of what makes up culture, in both its anthropological and artistic sense, and cultural intimacy involves conceptual tools that help us become aware and reflexive about it.

Sobre la desaparición de un museo. Entrevista a Oriol Vilanova a raíz de la presentación de la publicación «Goodbye»

En diciembre de 2012, Oriol Vilanova presentó en el FRAC Champagne-Ardenne de Reims la obra de teatro Goodbye. Una performance en la que se imagina la destrucción del museo del Louvre. Se representó en un escenario vacío. Tan sólo un foco iluminaba la escena y una niña se movía de un lado al otro, improvisando. Una voz en off reflexionaba sobre este acto iconoclasta. Pero Goodbye también es una publicación que va más allá del simple registro de la performance para convertirse en un libro de artista.

Rosa Lleó: La idea del vacío, y sobretodo en relación al espacio expositivo ya había aparecido en anteriores obras tuyas como Ellos no pueden morir (2011), donde tres personajes: Walt Disney, Lenin y Salvador Dalí reflexionaban sobre la inmortalidad. O en Mirador, donde el espacio expositivo, en este caso una capilla, albergaba solamente una barandilla de hierro que dividía la sala. En Goodbye asistimos a uno de los actos de iconoclastia más difíciles de imaginar. ¿Cómo se relaciona este hecho con otras piezas tuyas completamente diferentes, en las que precisamente se da un exceso de información iconográfica?

Oriol Vilanova: Me gusta trabajar con opuestos llevados al extremo. En mi trabajo existe una vertiente iconográfica y su lado opuesto, desde una colección perpetua de postales de arcos de triunfo, cuya densidad de imágenes es extrema, hasta la desaparición total de parte de nuestro imaginario en el caso de Goodbye. Además, existe otro vacío que es el de no saber de dónde ni quién ha generado el desastre que sería la destrucción de tal museo. También me interesa la idea de patrimonio, cómo entendemos una forma del pasado que coexiste en el presente y cómo la obsesión por conservar y archivar no ha parado de crecer exponencialmente desde la segunda guerra mundial. En realidad, la conservación del patrimonio nace después de la Revolución Francesa, después de una serie de actos iconoclastas que pretendían eliminar todo lo que hiciera referencia a la monarquía y a la iglesia. Y al cabo de poco se crean las normativas para conservar los bienes comunes y con ello el Louvre.

Pick of the day: Tomás Saraceno (Andersen’s Contemporary Gallery)

Tomás Saraceno. Carina, 2013.

La capacidad constructiva de las arañas, la fascinación por la diversidad de tipologías en la construcción de un espacio, la fragilidad y la dificultad son algunos de los elementos que respiran en las piezas de Tomás Saraceno presentadas en el stand de Andersen’s Contemporary. El interés de Saraceno en encontrar otras vías para la arquitectura le lleva a observar la capacidad de las arañas para generar mundos en los lugares más complicados.